A voice for Human Rights: JORGE DAGER

| September 23, 2012

By Devorah Sasha.

 

Para leer en Español

The Venezuelan artist Jorge Dager arrived in Miami last weekend to be the artist who will have the responsibility of depicting Art 1. We are all born free and equal in dignity and rights.

During more than a month, he will be painting on a canvas of approximately 14 feet x 10 feet, for the Route to Human Rights.  MDC North Campus will be the host for this extraordinary event where students from the campus will appreciate and learn from the painter as he develops his painting. They will be in touch with art and human rights.  Here his story:

 Still life and nature as Jorge Dager

 Dager displays still life with the magnificent new mode of looking at the detail. His compositions are infused with a light that is captured in each of its lines and casts shadows radicals. His work contains new forms such as plastic and glass presented as elements of containment and appropriation of the fruits, a key part of its composition. Those who observe the painter’s hard to believe that they were achieved by human hand, under the extraordinary realism that manages to develop his compositions. So his work was analyzed and evaluated by a group of art critics of the European Union and as a result give in 2002, the International Prize Salvador Dalí, who became the only Venezuelan deserving of this prestigious award.

 One of the features of the proposed Dager is the focus close-up forced to close the viewer within inches of the painting, and framing focal instituting the new way of still life, to find in each section of hyper- the fruiting bodies.

 Made his first solo exhibition at Gallery Manzini Diaz (Caracas). Then he showed his works in the Ateneo de Caracas, the Museum of America San Juan, Puerto Rico, in the Grand Bay Club in Miami and in the Gallery 33 Praha (Prague, Czech Republic). To these are added several solo exhibitions group exhibitions.

 Jorge Dager’s work leads to one of the most important artistic traditions: the still life. Their work focused on a genre even theme practiced successfully for many teachers, achieved an unprecedented event: the quiet of their fruits, the stillness of the objects that appear again and again in his paintings speak to us of this and our American status in the XXI century. To understand the richness implicit in the pictorial rendering a simple still life, we should point out even roughly the role that nature in the actual plastic, and specifically the work of this young Venezuelan artist. We also have to take into account, always with the idea to approach or understand the rationale of the paintings by Dager, some problems of contemporary art, and emphasize the relationship of the still life with the great themes of tradition Western art.

 This is the background of the work of Jorge Dager, a pictorial work that insists on returning man to his observer status, locating areas of reality where you can reconnect with nature first subjugated and humiliated. Contemporary art does not admire the land, with exceptions not easily captivates the simple beauty of a fruit. Dager’s still lifes are not perfect, nor is any instance of nature. Perfection, accuracy, absence of errors (absence of death or injury) will be in mathematics, but never a fruit that we see change, spoil before our eyes, indifferent to our passion for immortality. This is not always true, it’s true: some international artists today remain curious about the natural forms and still lifes. But Dager, painting is praising the beauty of change and those things we know will not last. The fragility of the color, the faint glow of a mango shell, captured in the shade, shades are all passengers that the artist wants to keep.

 We can stop here and keep other aspects of his work related to impermanence, but we would also mention the importance attached by the artist to the composition. There is a basic fact, elementary Jorge Dager selected fruits such as subject or theme of their work. The artist initially thought to pursue studies and agronomic practices, a career in the sciences of nature. But he chose another path and he spent nine years with discipline and a dedicated manner, with tenacity and patience to study the techniques of painting with his teacher Joseph Mohamed in Caracas. However, there followed the natural world, at the very gates of his imagination and intelligence, playing a decisive role. Fruits are the source of all, let’s start there. They are a microcosm that is displayed in a work already achieved international recognition. Jorge pick your fruit and then assemble the puzzle: building the still life and study, photography, intervenes. Finally, when satisfied, return it to photograph and began working with his model (the photographic image), alter, adjust to the conception that the mind develops. Fruits are unrepeatable gems whose colors harmonize, molded and altered to create hyper-realistic portraits that convince us. Dager can you build beauty from such traditional elements as common as a basket of mangoes and grapes or a passion fruit or a crate (crate) of wood. The beaters reproduce the structure of wood stored in the cellar or in the field, but always with the time signature, the fight against climate change, vulnerability to acts of beauty, as delicate as any other.

 It is important to note that the still life has not been in vain for a favorite subject of great artists throughout time. Just the kind offered by a fissure which can simultaneously touch and extraordinary everyday affairs. All art, we are tempted to say, is a still life. The artist rearranges, accommodates, fixes, as do all mortals, and not just the privileged spirits talented enough to dare to aspire to the condition of artists. The tavern is also a window into the banal. Just a look that stops quickly by some of the corners of the house we have arranged with particular care. Still life – traditional plastic into account – would become more human side and less pretentious western art, our whole house can be and usually is, an array of things, fruits and objects. The still life is a minor genre of painting, but was practiced by Zurbarán, by Juan Gris, Picasso, Caravaggio, Dali, by great masters, contemporary artists and Venezuela along the XX and XXI century. Why? A good question and its answer may help us understand the work of Jorge Dager. Unlike conceptual art or historical avant-garde at the beginning of last century, still life, like the landscape, can hardly help thinking. There is literature or narrative intensity with which the contemporary tradition imbued plastic, but still life lacks that ingredient. It is not meant to think or dig a hidden symbolism, but face it, gender is powerful intrinsic.

 The still life is still life objects that try to de-ballasting of possible great story or great performances. Intentionally the most basic concerns and domestic: a plastic bag, a wooden crate, a coconut, tropical fruits. Inanimate objects that captured the attention of practitioners of the genre in the seventeenth century have changed very little in relation to this, in case an object or a recently built modern-style dishes interfere with the absolute continuity of the theme throughout the time. A still life retains an identity that characterizes and emphasizes the presence of the ordinary as any other genre. And this is the vision of the world, offering Jorge. Art, specifically painting, and tries to bring a visually translate an event that occurs in physical reality or imagined person. If the world within which this event occurs varies, there will be a major slip in the valuation given to artistic achievement. The pictorial universe of Dager, his still lifes – we must reconsider this change, as alterations of meaning that occurs in history have been detained or delayed. The silence of his still lifes speaks of a calm almost static, a stillness that is beyond the chronology of an idea of art out of time, where things are trapped in absolute solitude … The handle unknown heroic outburst, but his interrupted story invites us to a strong aesthetic experience without much complexity. The realism of Dager catapults us to the basics to the most basic of experience, with ephemeral contact with a delicate beauty in the process of destruction, decay, and putrefaction and no less perfect, as we experience when visited the supply or the grocery. The still life and travel across our life from beginning to end every corner of our home and memory. His paintings speak of man’s past that I face the same show, the object’s physical memory brings us back to the simplicity of the moment when we cannot experience with theories clothing eloquent and so we just live.

—————————- En Español ————————-

JORGE DAGER: Una Voz por los Derechos Humanos!

 

Por Devorah Sasha

El artista venezolano Jorge Dager llegó a Miami la semana pasada; él será quien tendrá la responsabilidad de representar el Art. 1. “Todos nacemos libres e iguales en dignidad y derechos” para la Ruta de los Derechos Humanos.

Durante más de un mes, pintara un lienzo de 4.30 mts X 3 mts y el Campus Norte del MDC será el anfitrión de este evento extraordinario donde los estudiantes de la escuela, profesores y personal administrativo  podrán apreciar y aprender como este artista desarrolla su pintura. El publico estará en contacto con el arte y los derechos humanos.

Bodegones y naturaleza según Jorge Dager

 Dager visualiza la naturaleza muerta con la nueva y magnifica modalidad de mirar el detalle. Sus composiciones están impregnadas de una luz que se capta en cada uno de sus trazos y provoca sombras radicales. Su obra contiene nuevas formas como el plástico y el vidrio presentado como elementos de contención y apropiación de las frutas, parte fundamental de su composición. A quienes observan las obras del pintor les cuesta creer que fueron logradas por mano humana, en virtud del extraordinario realismo  que logra desarrollar en sus composiciones. Por ello su obra fue analizada y valorada por un grupo críticos de arte de la Unión Europea, y como resultado le otorgan en el año 2002, el Premio Internacional Salvador Dalí, que lo convirtió en el único venezolano merecedor de ese prestigioso galardón.

 Una de las características de la propuesta de Dager es el enfoque forzado en close-up que aproxima la mirada del espectador a centímetros de la pintura, y el encuadre focal que instaura la nueva manera de la naturaleza muerta, para descubrir hiperrealismo en cada sección de los cuerpos frutales.

 Realizo su primera exposición individual en la Galería Díaz Manzini (Caracas). Luego mostro sus trabajos en el Ateneo de Caracas, en el Museo de la América de San Juan de Puerto Rico, en el Grand Bay Club de Miami y en la Galería 33 Praha (Praga, Republica Checa). A estas exposiciones individuales se suman diversas muestras colectivas.

 La obra de Jorge Dager nos conduce a una de las tradiciones artísticas más importantes: la naturaleza muerta. Su trabajo, que aun enfocado en un género temático practicado con éxito por muchos maestros, logra un hecho insólito: la quietud de sus frutas, la inmovilidad de los objetos que aparecen una y otra vez en sus pinturas, nos hablan del presente y de nuestra condición de latinoamericanos en el siglo XXI. A fin de entender la riqueza implícita en la rendición pictórica un sencillo bodegón, debemos precisar aunque sea a grandes rasgos el rol que cumple la naturaleza en la plástica actual, y específicamente en la obra de este joven artista venezolano. Tambien tenemos que tomar en cuenta, siempre con la idea de acercarnos o de comprender la razón de ser de las pinturas realizadas por Dager, algunos problemas del arte actual, y hacer hincapié en la relación de la naturaleza muerta con los grandes temas de la tradición artística occidental.

 Este es el trasfondo de la obra de Jorge Dager, un trabajo pictórico que insiste en regresar al hombre a su condición de observador, localizando las zonas de la realidad donde es posible reencontrarse con una primera naturaleza avasallada y humillada. El arte contemporáneo no admira a la tierra, con excepciones; no se cautiva fácilmente por la belleza sencilla de una fruta. Los bodegones de Dager no son perfectos, como no lo es en ninguna instancia la naturaleza. La perfección, la exactitud, la ausencia de errores (la ausencia de la muerte o el deterioro) estará en las matemáticas, pero nunca en una fruta que vemos cambiar, echarse a perder ante nuestros ojos, indiferente a nuestra pasión por la inmortalidad. Esto no siempre se cumple, es verdad: algunos artistas internacionales mantienen hoy la curiosidad por las formas naturales y los bodegones. Pero en Dager, la pintura es elogio al cambio y a la belleza de aquellas cosas que sabemos no duraran. La fragilidad del color, el tenue resplandor de una concha de mango, capturado bajo la sombra, son todos matices pasajeros que el artista quiere conservar.

 Podemos detenernos aquí y conservar sobre otros aspectos de su obra relacionados con la impermanencia, pero quisiéramos mencionar tambien la importancia otorgada por el artista a la composición. Existe un hecho básico, elemental: Jorge Dager escogió las frutas como la materia o tema de su trabajo. El artista inicialmente pensó en dedicarse a los estudios y la practica agronómica, una carrera relacionada con las ciencias de la naturaleza. Pero prefirió otro camino y se dedico durante nueve años, con disciplina y de una manera dedicada, con tesón y paciencia, a estudiar las técnicas de la pintura con su maestro José Mohamed en Caracas. No obstante, el mundo natural siguió allí, en las puertas mismas de su imaginación e inteligencia, jugando un rol decisivo. Las frutas son el origen de todo, empecemos por ahí. Ellas forman un microcosmos que se despliega en una obra que ya alcanza reconocimiento internacional. Jorge escoge sus frutas y luego arma el rompecabezas: construye el bodegón y lo estudia, lo fotografía, lo interviene. Finalmente, cuando está satisfecho, lo vuelve a fotografiar y empieza a trabajar con su modelo (la imagen fotográfica), alterándolo, ajustándolo a la concepción que su mente desarrolla. Las frutas son joyas irrepetibles cuyos colores armoniza, moldea y altera para crear retratos hiperrealistas que nos convencen. Dager puede construís belleza, a partir de elementos tan tradicionales, tan comunes como una cesta de mangos y uvas o unas parchita o un huacal (guacal) de madera. Los batidores reproducen la estructura de la madera que guarda en la bodega o en el campo, pero siempre con la firma del tiempo, la lucha contra el cambio, la vulnerabilidad de todo acto de belleza, delicado como ningún otro.

 Es importante subrayar que el bodegón no ha sido en vano un tema preferido por grandes artistas a lo largo del tiempo. Justamente el género ofrece una fisura por medio de la cual se puede, tocar simultáneamente asuntos cotidianos y extraordinarios. Todo arte, estamos tentados a decir, es un bodegón. El artista reordena, acomoda, arregla, tal como lo hacemos todos los mortales, y no solamente los espíritus privilegiados con talento suficiente como para atreverse a aspirar a la condición de artistas. El bodegón tambien es una ventana a lo banal. Apenas una mirada que se detiene velozmente por algunos de los rincones de la casa que hemos dispuesto con particular cariño. El bodegón – en cuanta tradición plástica – vendría a ser el lado más humano y menos pretencioso del arte occidental, toda nuestra casa puede llegar a ser, y generalmente lo es, un arreglo de cosas, frutas y objetos. El bodegón es un género menor de la pintura, pero fue practicado por Zurbarán, por Juan Gris, Picasso, Caravaggio, Dalí, por grandes maestros, artistas contemporáneos y por venezolanos a lo largo del siglo XX y XXI. ¿Por qué? Una buena pregunta y su respuesta  pueden ayudarnos a entender el trabajo de Jorge Dager. A diferencia del arte conceptual o las vanguardias históricas a inicios del siglo pasado, el bodegón, al igual que el paisaje, difícilmente puede ayudarnos a pensar. Ahí está la literatura o la intensidad narrativa con que la contemporaneidad ha imbuido la tradición plástica, pero el bodegón carece de ese ingrediente. No está hecho para pensar o profundizar un simbolismo oculto, pero reconozcámoslo, el género tiene una poderosa fuerza intrínseca.

 El bodegón es una naturaleza muerta que intenta deslastrar los objetos de posibles historias magnificas o grandes interpretaciones. Intencionalmente versa sobre lo más elemental y domestico: una bolsa de plástico, un huacal de madera, un coco, algunas frutas tropicales. Los objetos inanimados que capturaron la atención de los practicantes del género en el siglo XVII han variado muy poco en relación al presente, si acaso algún objeto fabricado hace poco o alguna vajilla de estilo moderno interfiere con la continuidad absoluta de la temática a lo largo del tiempo. Una naturaleza muerta conserva una identidad que la caracteriza y subraya la presencia de lo cotidiano como ningún otro género. Y esta es la visión del mundo, que ofrece Jorge. El arte, específicamente la pintura, intenta llevar o traducir a un plano visual un acontecimiento que ocurre en la realidad física o imaginada de una persona. Si el mundo dentro del cual ocurre este acontecimiento varía, se producirá un deslizamiento importante en la valoración otorgado al logro artístico. El universo pictórico de Dager- sus naturalezas muertas – nos obliga a repensar este cambio, pues las alteraciones de significado que produce la historia han sido detenidas o postergadas. El silencio de sus bodegones nos habla de una calma casi estática, de una quietud que escapa a las cronologías, de una idea del arte fuera del tiempo, donde las cosas están atrapadas en una soledad absoluta… El mango desconoce el arrebato heroico, pero su historia interrumpida nos invita a una fuerte experiencia estética, sin mayores complejidades. El realismo de Dager nos catapulta a lo básico, a lo más elemental de una experiencia, al contacto con lo efímero, con una belleza delicada en proceso de destrucción, de deterioro, de putrefacción y no por eso menos perfecta, tal como la experimentamos cuando visitamos el abasto o la frutería. Los bodegones atraviesan nuestra vida y recorren de punta a punta cada esquina de nuestra casa y memoria. Sus pinturas nos hablan del pasado del hombre que enfrento ese mismo espectáculo, la memoria física del objeto nos regresa a la sencillez del instante, cuando no podemos arropar la experiencia con teorías elocuentes y tan sólo nos queda vivir.

 

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